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| Vic Giannini - The Heights |
Vic Giannini - The Heights (Autoproduzione, 2025)
Tra ispirazione letteraria e forme progressive
Pubblicato a novembre 2025, The Heights di Vic Giannini si ispira a Wuthering Heights, il romanzo di Emily Brontë uscito nel 1847 sotto lo pseudonimo Ellis Bell, e nasce dal lavoro di un polistrumentista che costruisce il proprio linguaggio attraverso stratificazioni progressive e una scrittura pensata come flusso continuo, più che come somma di brani distinti.
L’album si sviluppa infatti come un’unica traiettoria sonora articolata in sezioni, dove il tempo musicale si dilata e si trasforma per accumulo, lasciando emergere una narrazione fatta di variazioni sottili e aperture improvvise.
Vic Giannini costruisce l’intero impianto sonoro su una strumentazione estremamente ampia, che conferma la natura polistrumentale del progetto: Kaman Classic guitar, Fender Stratocaster, Fender Telecaster, Gibson SG, Fender Jazz Bass, chitarra acustica Guild, mandolino, organo Farfisa, Korg Poly 800, organo Viscount, pianoforte Korg Grand Piano e Schimmel, synth Mirage 9000, violoncello, gaita, flauto, bodhrán, percussioni, glockenspiel, voce e Tubular Bells.
Ad affiancarlo in questo percorso ci sono diversi musicisti e ensemble che contribuiscono a definire la tavolozza sonora del disco: Deirdre O’Shea all’arpa, Polifonia Urbana ai fiati, Voci Metropolitane e L’Arcobaleno ai cori, e Simonetta Ginocchietti alla voce.
In questa prospettiva, il richiamo a Mike Oldfield non solo diventa evidente, ma si rivela tutt’altro che un limite. Anzi, emerge come un riferimento fertile, soprattutto nella gestione della forma lunga e nell’idea di una costruzione sonora che nasce dall’incontro tra più strumenti, tutti integrati in un’unica visione. Il risultato è un equilibrio tra dimensione cinematica e scrittura progressiva, dove la figura del polistrumentista non è solo un dato biografico, ma il centro stesso dell’architettura musicale.
Part One si apre con un senso di ingresso graduale, quasi come se la musica non iniziasse ma fosse già in movimento da prima dell’ascolto. La lunga durata permette al materiale sonoro di prendere forma senza fretta: le linee si accumulano, si sovrappongono, e quello che emerge non è un tema centrale ma una rete in continua espansione. La sensazione è quella di un equilibrio instabile ma controllato, dove ogni elemento entra, resta per un tempo necessario e poi si ritira lasciando spazio a qualcos’altro. Non c’è mai un punto di arrivo netto, ma una progressione continua che si costruisce per micro-variazioni. In questo modo la musica sembra respirare, più che svilupparsi in senso tradizionale. Il riferimento alla scrittura espansa di Mike Oldfield torna soprattutto nella gestione del tempo: non lineare, non urgente, ma dilatato, quasi circolare, dove il senso nasce dalla trasformazione lenta più che dal contrasto immediato.
Se il primo movimento ha un carattere più immersivo, Part Two introduce una diversa densità interna. Qui la sensazione è che la materia musicale sia già “attiva” e venga continuamente riorganizzata dall’interno. Le transizioni sono più evidenti, i cambi di clima più percepibili, come se la struttura iniziasse a mostrare le proprie giunture. C’è un gioco più marcato tra tensione e sospensione: alcuni passaggi sembrano fermarsi sul bordo di una risoluzione, senza mai completarla davvero. Questo crea una percezione di instabilità controllata, dove il movimento non è mai completamente orizzontale ma si piega su sé stesso, tornando e ripartendo da punti leggermente diversi.
Costruito su una poesia di Emily Brontë, The Night Wind è il brano che chiude l’album e ne cambia completamente la prospettiva. Dopo due movimenti così estesi, il suono si ritrae: meno densità, più aria, più distanza. La voce, sostenuta dall’arpeggio della chitarra acustica, porta tutto verso una dimensione più essenziale e raccolta, dove la scrittura si fa minima e ogni dettaglio, anche il più piccolo, resta sospeso e acquista risonanza. come se, dopo la costruzione stratificata delle due suite iniziali, la musica decidesse di semplificarsi fino all’osso, lasciando emergere una fragilità diversa, più diretta. La voce non contrasta questo movimento, ma lo segue, restando dentro uno spazio che sembra già in dissolvenza. Non è un finale che chiude, ma un finale che allenta. La musica sembra perdere progressivamente consistenza, come se si allontanasse invece di terminare. Rimane una sensazione di eco, di qualcosa che continua fuori campo, oltre i confini del disco. È una dissolvenza più che una conclusione, e proprio per questo lascia addosso una sensazione di spazio aperto, non risolto.
Vic Giannini
Alla fine di The Heights resta una sensazione difficile da fissare, come se il disco non si chiudesse davvero ma continuasse a esistere in una forma più silenziosa, appena fuori dall’ascolto. Dopo la densità e la lunga deriva delle due suite iniziali, The Night Wind non riporta a terra ma lascia semplicemente andare, scioglie invece di concludere.
È qui che emerge con più chiarezza l’identità del lavoro di Vic Giannini: una musica che non cerca il punto d’arrivo, ma la continuità del movimento. La forma lunga, la scrittura per stratificazioni, l’idea stessa di trasformazione costante diventano qualcosa che resta addosso anche quando il suono è finito, come una traccia mentale che continua a riattivarsi.
In questo senso, il disco si avvicina a una dimensione quasi sospesa, dove l’ascolto non è un’esperienza da chiudere ma un passaggio da attraversare. E quando tutto si ferma, rimane proprio questo: una vibrazione leggera, non conclusa, che sembra ancora muoversi da qualche parte, oltre il silenzio.
English version
Vic Giannini – The Heights (Self-released, 2025)
Between literary inspiration and progressive forms
Released in November 2025, The Heights by Vic Giannini draws inspiration from Wuthering Heights, the novel by Emily Brontë published in 1847 under the pseudonym Ellis Bell. It emerges from the work of a multi-instrumentalist who builds his language through progressive layering and a compositional approach conceived as a continuous flow rather than a collection of separate tracks. The album unfolds as a single sonic trajectory articulated in sections, where musical time expands and transforms through accumulation, allowing a narrative of subtle variations and sudden openings to surface.
Vic Giannini constructs the entire sonic framework through an exceptionally wide range of instruments, reinforcing the project’s multi-instrumental nature: Kaman Classic guitar, Fender Stratocaster, Fender Telecaster, Gibson SG, Fender Jazz Bass, Guild acoustic guitar, mandolin, Farfisa organ, Korg Poly 800, Viscount organ, Korg Grand Piano and Schimmel piano, Mirage 9000 synth, cello, gaita, flute, bodhrán, percussion, glockenspiel, vocals, and Tubular Bells.
Supporting him along this path are several musicians and ensembles who help shape the album’s sonic palette: Deirdre O’Shea on harp, Polifonia Urbana on brass, Voci Metropolitane and L’Arcobaleno on choirs, and Simonetta Ginocchietti on vocals.
From this perspective, the reference to Mike Oldfield not only becomes evident, but proves far from limiting. Instead, it emerges as a fertile point of reference, especially in the handling of long-form structures and in the idea of a sonic architecture built through the interaction of multiple instruments, all integrated into a single vision. The result is a balance between a cinematic dimension and progressive writing, where the figure of the multi-instrumentalist is not just a biographical detail, but the very core of the musical architecture.
Part One opens with a sense of gradual entry, as if the music does not begin but has already been in motion before the listener arrives. Its extended duration allows the material to take shape without urgency: lines accumulate, overlap, and what emerges is not a central theme but an ever-expanding network. The feeling is one of unstable yet controlled balance, where each element enters, stays for the necessary time, and then recedes to make room for something else. There is never a clear point of arrival, only a continuous progression built through micro-variations. In this way, the music seems to breathe rather than develop in a traditional sense. The connection to Mike Oldfield’s expanded writing is particularly evident in the treatment of time: not linear, not urgent, but stretched, almost circular, where meaning arises from slow transformation rather than immediate contrast.
If the first movement feels more immersive, Part Two introduces a different internal density. Here, the musical material seems already “active,” constantly reorganizing itself from within. Transitions become more apparent, shifts in atmosphere more perceptible, as if the structure begins to reveal its own joints. There is a stronger interplay between tension and suspension: some passages seem to hover on the edge of resolution without ever fully reaching it. This creates a sense of controlled instability, where movement is never entirely horizontal but folds back onto itself, returning and restarting from slightly altered points.
Built on a poem by Emily Brontë, The Night Wind closes the album and completely shifts its perspective. After two such extended movements, the sound withdraws: less density, more air, more distance. The voice, supported by the arpeggio of an acoustic guitar, brings everything into a more essential and intimate space, where the writing becomes minimal and every detail, even the smallest, lingers and gains resonance. It is as if, after the layered construction of the two opening suites, the music chooses to strip itself down to the bone, revealing a different, more direct kind of fragility. The voice does not oppose this movement but follows it, remaining within a space that already feels like it is fading.
This is not an ending that closes, but one that loosens. The music gradually loses its solidity, as if it were moving away rather than coming to a stop. What remains is a sense of echo, of something continuing beyond the frame, outside the boundaries of the record. It is a fade rather than a conclusion, and precisely for this reason it leaves behind a feeling of openness, unresolved. At the end of The Heights, what lingers is difficult to fix, as if the album does not truly end but continues to exist in a quieter form, just beyond perception. After the density and long drift of the two opening suites, The Night Wind does not bring things back down but simply lets them go, dissolving rather than concluding.
It is here that the identity of Vic Giannini’s work becomes most clear: a music that does not seek an endpoint, but the continuity of movement. The long-form structure, the layered writing, and the very idea of constant transformation become something that stays with the listener even after the sound has faded, like a mental trace that continues to reactivate itself.
In this sense, the album approaches an almost suspended dimension, where listening is not an experience to be closed, but a passage to move through. And when everything stops, what remains is precisely this: a light, unresolved vibration that still seems to move somewhere, beyond the silence.