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| Maria Nives Riggio - Where Daffodils Have Their Fun |
Maria Nives Riggio - Where Daffodils Have Their Fun (Abeat Records, 2025)
Dove la voce si intreccia allo swing e alla memoria del jazz
Registrato a New York nel Febbraio 2025 e pubblicato da Abeat Records, Where Daffodils Have Their Fun di Maria Nives Riggio è uno di quei dischi che si lasciano avvicinare con rispetto e chiedono tempo. Per me è l’ascolto di un percorso che entra nel cuore della tradizione jazz statunitense senza bisogno di dichiarazioni programmatiche, scegliendo piuttosto la strada dell’ascolto, della misura e della profondità.
L’ American Songbook non è un territorio da attraversare per dovere o nostalgia, ma uno spazio vivo, abitato con consapevolezza, dove ogni brano diventa occasione di dialogo, di memoria che riaffiora e di presente che prende forma, lasciando emergere una dimensione intima e autentica.
La voce della Riggio si muove con naturalezza tra chiarezza melodica ed espressività, mostrando una tavolozza timbrica ampia e una gestione del tempo elegante, mai compiaciuta. C’è una sensibilità narrativa che emerge brano dopo brano, una capacità di stare dentro la storia delle canzoni senza restarne schiacciata, trovando invece un equilibrio personale tra rispetto e libertà interpretativa. Il canto non forza l’emozione, la lascia affiorare, sostenuto da un fraseggio misurato e da un’intensità che cresce per sottrazione.
Fondamentale il contributo della sezione ritmica americana, con Richard Clements al pianoforte, Ryo Sasaki alla tromba in due brani, Ari Roland al contrabbasso e Massimo Russino alla batteria. Il dialogo tra i musicisti è fluido, naturale, costruito sull’ascolto reciproco e su una concezione collettiva del suono. La scelta di registrare live in studio restituisce tutta l’immediatezza dell’interazione, quel senso di “qui e ora” che appartiene alla migliore tradizione jazz e che dà al disco un respiro autentico, profondamente newyorkese.
East of the Sun (Brooks Bowman) apre il disco con un solo di contrabbasso di Ari Roland, che traccia le prime linee melodiche e stabilisce subito il ritmo e l’atmosfera. La voce di Maria Nives Riggio entra gradualmente, con misura e naturalezza, intrecciandosi al fraseggio melodico, mentre il pianoforte di Richard Clements costruisce un tessuto armonico caldo e accogliente che valorizza ogni sfumatura del canto. La batteria di Massimo Russino sostiene con delicatezza, creando un insieme equilibrato e invitando l’ascoltatore a seguire il percorso senza fretta.
Con Emily (Johnny Mandel) il racconto si fa più lirico e raccolto: il tempo sembra dilatarsi e la melodia viene accarezzata con un senso di intimità che prepara il terreno ai passaggi successivi.
In a Sentimental Mood (Duke Ellington) segna uno dei momenti più controllati e intensi del disco: l’interpretazione gioca su un filo sottile tra morbidezza e tensione, sostenuta dal pianoforte di Richard Clements, capace di disegnare un ambiente armonico di grande finezza.
Il contrabbasso di Roland e la batteria di Russino sostengono il brano con attenzione e precisione, creando un dialogo ritmico raccolto che introduce con naturalezza That’s All (Bob Haymes), affrontata privilegiando la chiarezza del fraseggio e una classicità dello swing mai calligrafica, sempre viva nel dialogo collettivo.
Con Peace (Horace Silver) il disco apre a una dimensione più contemplativa, arricchita dalla presenza della tromba di Ryo Sasaki, che aggiunge nuove sfumature timbriche senza appesantire l’insieme. Questo clima trova pieno sviluppo in You Must Believe in Spring (Michel Legrand), dove la meditazione si fa più profonda e il confronto tra canto e tromba diventa un gioco di rimandi delicati, sospesi tra fragilità e speranza, in uno dei passaggi più intensi dell’intero lavoro.
Every Time We Say Goodbye (Cole Porter) riporta al centro una malinconia trattenuta, mai esibita: il colore vocale alterna trasparenze e densità emotiva, mentre l’accompagnamento resta essenziale, lasciando spazio al racconto.
Misty (Erroll Garner) cambia passo, con un’interpretazione più libera e rilassata. Il pianoforte di Richard Clements accompagna con delicatezza, il contrabbasso cammina sicuro e la batteria guida con precisione, facendo scorrere il brano in modo naturale e piacevole.
Lover, Come Back to Me (Sigmund Romberg) emerge con una vitalità più marcata, tra slancio e controllo. Il canto di Maria Nives Riggio gioca con inventiva, creando un brano pieno di energia e brillantezza.
La chiusura è affidata a You, My Love (Gordon/Van Heusen), affrontata con eleganza e profondità: un congedo misurato, che lascia affiorare atmosfere senza tempo e restituisce la sensazione di un percorso compiuto, capace di guardare alla tradizione come a una materia viva, ancora fertile.
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| Maria Nives Riggio |
Where Daffodils Have Their Fun si chiude lasciando un segno delicato ma profondo: ogni brano diventa piccolo spazio di introspezione, ogni frase musicale un dialogo tra memoria e presente. Maria Nives Riggio, accompagnata da un ensemble attento e partecipe, trasforma standard celebri in momenti vivi, dove emozione, tecnica e ascolto si intrecciano senza artifici.
È un disco che invita a fermarsi, a lasciare che la musica respiri dentro di noi, e che conferma la cantante come interprete capace di far convivere tradizione e personale sensibilità in un racconto sonoro autentico e intenso.
English version
Maria Nives Riggio - Where Daffodils Have Their Fun (Abeat Records, 2025)
Where the voice intertwines with swing and the memory of jazz
Recorded in New York in February 2025, Where Daffodils Have Their Fun by Maria Nives Riggio is one of those albums that invite a respectful approach and ask for time. For me, it unfolds as a journey that enters the heart of the American jazz tradition without programmatic statements, choosing instead the path of listening, restraint, and depth.
The American Songbook is not a territory to cross out of duty or nostalgia, but a living space, inhabited with awareness, where each song becomes an opportunity for dialogue, for memory to resurface and for the present to take shape, allowing an intimate and authentic dimension to emerge.
Riggio’s voice moves naturally between melodic clarity and expressiveness, revealing a broad timbral palette and an elegant sense of time, never self-indulgent. A narrative sensitivity emerges track after track, an ability to remain within the history of these songs without being weighed down by it, finding instead a personal balance between respect and interpretive freedom. The singing never forces emotion; it lets it surface, supported by measured phrasing and an intensity that grows through subtraction.
Fundamental is the contribution of the American rhythm section, with Richard Clements on piano, Ryo Sasaki on trumpet on two tracks, Ari Roland on double bass, and Massimo Russino on drums. The dialogue among the musicians is fluid and natural, built on mutual listening and a collective conception of sound. The choice to record live in the studio captures the immediacy of the interaction, that sense of “here and now” belonging to the finest jazz tradition, giving the album an authentic, deeply New York breath.
East of the Sun (Brooks Bowman) opens the album with a double bass solo by Ari Roland, sketching the first melodic lines and immediately setting the rhythm and atmosphere. Maria Nives Riggio’s voice enters gradually, with restraint and ease, weaving into the melodic phrasing, while Richard Clements’ piano builds a warm, welcoming harmonic fabric that enhances every nuance of the singing. Massimo Russino’s drums support with delicacy, creating a balanced whole and inviting the listener to follow the journey without haste.
With Emily (Johnny Mandel) the narrative becomes more lyrical and inward-looking: time seems to stretch, and the melody is caressed with a sense of intimacy that prepares the ground for what follows.
In a Sentimental Mood (Duke Ellington) marks one of the most controlled and intense moments of the album. The interpretation balances on a fine line between softness and tension, sustained by Richard Clements’ piano, which shapes a harmonically refined environment.
Roland’s bass and Russino’s drums support the piece with care and precision, creating a focused rhythmic dialogue that naturally leads into That’s All (Bob Haymes), approached with clarity of phrasing and a classic swing that is never calligraphic, always alive within the collective interplay.
With Peace (Horace Silver) the album opens onto a more contemplative dimension, enriched by the presence of Ryo Sasaki’s trumpet, which adds new timbral shades without weighing down the overall sound. This atmosphere finds full development in You Must Believe in Spring (Michel Legrand), where the meditation deepens and the exchange between voice and trumpet becomes a delicate play of echoes, suspended between fragility and hope, in one of the most intense passages of the entire work.
Every Time We Say Goodbye (Cole Porter) brings back a restrained melancholy, never displayed: the vocal color alternates transparency and emotional density, while the accompaniment remains essential, leaving space for the narrative.
Misty (Erroll Garner) shifts the pace, offering a freer, more relaxed interpretation. Richard Clements’ piano accompanies with sensitivity, the bass walks with confidence, and the drums guide with precision, letting the tune flow naturally and effortlessly.
Lover, Come Back to Me (Sigmund Romberg) stands out with a more pronounced vitality, balancing momentum and control. Maria Nives Riggio’s singing plays with inventiveness, shaping a performance full of energy and brightness.
The closing track, You, My Love (Gordon/Van Heusen), is approached with elegance and depth: a measured farewell that allows timeless atmospheres to surface and conveys the sense of a completed journey, one that looks to tradition as living, still fertile matter.
Where Daffodils Have Their Fun ends leaving a delicate yet lasting impression: each track becomes a small space for introspection, each musical phrase a dialogue between memory and the present. Maria Nives Riggio, supported by an attentive and engaged ensemble, transforms well-known standards into living moments, where emotion, technique, and listening intertwine without artifice.
It is an album that invites us to slow down, to let the music breathe within us, and that confirms the singer as an interpreter capable of bringing tradition and personal sensitivity together in an authentic, intense sonic narrative.