Tritop 120 dei Tritop: progressive rock tra radici anni ’70 e scrittura attuale | Redapolis Music

Tritop – Tritop 120 

Tritop – Tritop 120 (Autoproduzione, 2025)

Un viaggio sospeso nel tempo, dove il prog anni ’70 incontra il suono contemporaneo

Ascoltare Tritop 120 significa entrare in un tempo diverso, che non corre in avanti ma si espande e ritorna su sé stesso. È una musica che non ha fretta di arrivare e che invita l’ascoltatore a rallentare, a seguire ogni sviluppo, trasformando l’ascolto in un atto di presenza più che di consumo.

Il tempo dilatato di Tritop 120 prende forma grazie all’equilibrio della band. La batteria di Ivo Di Traglia guida e frammenta, creando traiettorie ritmiche precise ma sempre vive, mentre le tastiere e il pianoforte di Pierfrancesco Di Pofi aprono spazi sonori ricchi di timbri, tra Hammond, sintetizzatori e echi di mellotron. Le chitarre di Francesco Caponera dialogano con il basso solido ma mobile di Jacopo Tuzi, tessendo trame armoniche e melodiche che mantengono l’ascoltatore sospeso. Al centro della narrazione musicale si colloca la voce intensa e versatile di Mattia Fagiolo, che guida l’ascolto e dà forma ai testi. Il primo brano è arricchito dal tocco delicato della chitarra classica di Iacopo Di Traglia, mentre nell’ultimo pezzo l’emozione si apre grazie al contributo del coro femminile – Roberta Campoli, Annalaura Talpa ed Eleonora Belfiore – che amplifica profondità e impatto emotivo. È dall’intreccio di queste presenze che Tritop 120 costruisce il suo linguaggio, invitando a un ascolto attento e partecipato, dove ogni dettaglio contribuisce a creare un mondo sonoro coerente e avvolgente.

Rispetto all’esordio Rise of Kassandra, i Tritop affrontano questo secondo lavoro con uno sguardo più maturo: meno istintivo, più riflessivo, pronto a costruire un linguaggio personale che fonde le radici prog degli anni ’70 – Genesis, Yes, Gentle Giant – con un suono attuale, ricco di dettagli e sfumature.

In Tritop 120 i brani non sono contenitori isolati di idee, ma parti di un disegno più ampio, costruito per svilupparsi nel tempo. La musica procede per stratificazioni, cercando continuamente un equilibrio tra rigore compositivo e libertà emotiva. È un disco che chiede ascolto profondo e restituisce senso proprio grazie alla capacità di prendersi spazio, lasciando che le forme si rivelino lentamente, senza forzature.

Rebuild Nothing  è come un respiro sospeso all’inizio dell’album. Tra il fragore distante dei treni e il rumore gentile delle onde, prende lentamente forma la chitarra classica di Iacopo Di Traglia, che si fa voce solitaria in questo paesaggio sonoro. Ogni nota sembra scelta con cura, un piccolo gesto poetico che prepara l’ascoltatore a entrare nel mondo della band: breve, silenzioso, ma già capace di suggerire profondità e introspezione.

Con Master of Drama il disco prende realmente forma e dimensione. È qui che i Tritop iniziano a raccontare senza filtri, lasciando che la composizione si sviluppi come un flusso narrativo complesso. Il brano cambia pelle più volte, alternando sezioni più compatte ad altre in cui la musica si espande e respira. La batteria disegna traiettorie irregolari ma sempre leggibili, mentre le tastiere creano ambienti stratificati che si muovono tra tensione e apertura. Le chitarre si ritagliano spazi importanti, aggiungendo profondità e colore, con assoli lirici che arricchiscono un racconto musicale che cresce per accumulo senza mai perdere coerenza.

Wanderlust rappresenta una sorta di punto di equilibrio emotivo all’interno dell’album. Dopo le complessità strutturali del brano precedente, la musica si apre a una dimensione più lirica e contemplativa. Qui emerge con maggiore chiarezza il senso di movimento interiore suggerito dal titolo: le melodie sembrano inseguire una direzione sempre in divenire, sostenute da un basso che accompagna con discrezione e solidità. Le tastiere aggiungono sfumature che evocano spazi aperti, mentre la chitarra dialoga con la voce in modo naturale, lasciando affiorare un’emotività più diretta, mai forzata.

Il percorso trova il suo centro gravitazionale in Asymmetrical Reflections Of A Restless Heart, una suite che non ha paura della durata e si prende tutto il tempo necessario per sviluppare le proprie idee. È un brano che vive di contrasti: momenti di grande densità strumentale si alternano a passaggi più rarefatti, quasi intimi, in cui ogni intervento sembra misurato. La voce guida l’ascolto con intensità controllata, mentre il coro femminile introduce una dimensione ulteriore, amplificando il senso di inquietudine e riflessione che attraversa l’intera composizione. Più che una semplice conclusione, questo brano appare come una sintesi emotiva dell’album, un luogo in cui le tensioni accumulate trovano una forma, anche senza una vera risoluzione.

Quando Tritop 120 si chiude, non lascia la sensazione di un approdo definitivo, ma quella di un viaggio che continua a risuonare dentro, anche dopo l’ultimo silenzio. È un disco che non cerca di impressionare con forza immediata, ma che resta, sedimenta e torna a farsi ascoltare nel tempo, come fanno le opere che richiedono attenzione e la ricompensano con profondità.

I Tritop sembrano aver trovato uno spazio in cui muoversi senza fretta, accettando il rischio della complessità e dell’attesa, scegliendo una musica che non semplifica le emozioni, ma le accompagna nel loro farsi. Tritop 120 non offre risposte nette né approdi sicuri, ma apre domande, suggerisce percorsi, invita a tornare sui propri passi.

Ed è forse proprio in questa apertura che il disco mostra la sua forza più autentica: trasformare il progressive rock in un luogo di ascolto e riflessione, dove la tecnica serve il racconto e la forma diventa esperienza. Quando il suono si dissolve, resta la sensazione di aver attraversato qualcosa di vivo, in movimento, e la voglia di rientrarci, di premere di nuovo play, per ricominciare il viaggio da un altro punto.

English version 

 Tritop – Tritop 120 (Autoproduzione, 2025)

A journey suspended in time, where ’70s prog meets contemporary sound 

Listening to Tritop 120 means entering a different kind of time, one that doesn’t rush forward but expands and folds back on itself. It’s music that takes its time, inviting the listener to slow down, to follow each development, turning listening into an act of presence rather than mere consumption.

The expanded sense of time in Tritop 120 takes shape through the band’s balance. Ivo Di Traglia’s drumming guides and fragments, tracing precise yet lively rhythmic paths, while Pierfrancesco Di Pofi’s keyboards and piano open rich sonic spaces, blending Hammond, synthesizers, and echoes of Mellotron. Francesco Caponera’s guitars interact with Jacopo Tuzi’s solid yet flexible bass, weaving harmonic and melodic threads that keep the listener suspended. At the center of this musical narrative stands Mattia Fagiolo’s the intense and versatile voice, leading the listener and giving shape to the lyrics. The first track is enriched by the delicate touch of Iacopo Di Traglia’s classical guitar, while the album’s final piece opens emotionally through the contribution of the female choir – Roberta Campoli, Annalaura Talpa, and Eleonora Belfiore – amplifying depth and impact. It is through the interplay of these presences that Tritop 120 constructs its language, inviting attentive and engaged listening, where every detail contributes to a coherent and enveloping sonic world.

Compared to their debut Rise of Kassandra, the Tritop approach this second album with a more mature perspective: less instinctive, more reflective, ready to build a personal language that blends ’70s prog roots – Genesis, Yes, Gentle Giant – with a contemporary sound, rich in detail and nuance.

In Tritop 120, the tracks are not isolated containers of ideas but parts of a larger design, built to unfold over time. The music develops in layers, constantly seeking a balance between compositional rigor and emotional freedom. It is an album that demands deep listening and rewards it with meaning, taking its space and allowing its forms to reveal themselves slowly, without forcing.

Rebuild Nothing feels like a suspended breath at the album’s opening. Between the distant roar of trains and the gentle sound of waves, Iacopo Di Traglia’s classical guitar gradually emerges, becoming a solitary voice in this sonic landscape. Every note seems carefully chosen, a small poetic gesture that prepares the listener to enter the band’s world: brief, quiet, yet already capable of suggesting depth and introspection.

With Master of Drama, the album truly takes shape and dimension. Here the Tritop begin to tell their story unfiltered, letting the composition develop like a complex narrative flow. The track shifts constantly, alternating compact sections with moments where the music expands and breathes. The drums trace irregular yet readable paths, while the keyboards create layered environments that move between tension and openness. The guitars carve out significant spaces, adding depth and color, with lyrical solos that enrich a musical narrative growing cumulatively without ever losing coherence.

Wanderlust represents a kind of emotional equilibrium within the album. After the structural complexity of the previous track, the music opens into a more lyrical and contemplative dimension. Here, the sense of inner movement suggested by the title becomes clearer: the melodies seem to pursue a constantly evolving direction, supported by a bass that accompanies with subtlety and solidity. The keyboards add shades that evoke open spaces, while the guitar interacts naturally with the voice, allowing a more direct, unforced emotional expression to emerge.

The journey reaches its gravitational center in Asymmetrical Reflections Of A Restless Heart, a suite unafraid of duration, taking all the time needed to develop its ideas. It is a track defined by contrasts: moments of dense instrumentation alternate with sparser, almost intimate passages, where every intervention seems measured. The voice guides the listening with controlled intensity, while the female choir introduces an additional dimension, amplifying the sense of restlessness and reflection that permeates the entire composition. More than a simple conclusion, this track stands as an emotional synthesis of the album, a space where accumulated tensions find form, even without a clear resolution.

When Tritop 120 comes to a close, it doesn’t leave the feeling of a final destination, but rather that of a journey that continues to resonate within, even after the last silence. It is an album that doesn’t try to impress with immediate force, but that lingers, settles, and returns to be heard over time, like works that demand attention and reward it with depth.

The Tritop seem to have found a space in which to move without haste, embracing the risks of complexity and patience, choosing music that doesn’t simplify emotions but accompanies them as they unfold. Tritop 120 offers no clear answers, no safe harbor, but opens questions, suggests paths, and invites the listener to revisit their steps.

And perhaps it is precisely in this openness that the album reveals its most authentic strength: transforming progressive rock into a space for listening and reflection, where technique serves the story and form becomes experience. When the sound fades, what remains is the sensation of having crossed something alive, in motion, and the desire to return, to press play again, and begin the journey from another point.