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| Emiliano D’Auria - The Baggage Room Vol.2 – Meanwhile |
Emiliano D’Auria - The Baggage Room Vol.2 – Meanwhile (Via Veneto Jazz, 2025)
Un viaggio di suoni e incontri, tra memorie lontane e nuove vite da scoprire
A un anno di distanza dal primo capitolo del progetto The Baggage Room, recensito sulle pagine di Redapolis Music, Emiliano D’Auria torna con il secondo capitolo Meanwhile, un album che amplia e approfondisce il suo racconto musicale.
Se il primo volume esplorava l’arrivo degli immigrati europei a Ellis Island, con i loro sogni, le speranze e le difficoltà iniziali, Meanwhile si concentra sul capitolo successivo: la vita che segue l’insediamento, le strade che si aprono, le scelte quotidiane e le sfide di chi costruisce una nuova identità in una città che è insieme promessa e realtà.
Tutte le composizioni sono firmate da Emiliano D’Auria, ad eccezione di Distance, scritta da Jacopo Ferrazza, che porta al quintetto una prospettiva originale pur mantenendo coerenza con l’universo sonoro dell’album.
Il disco nasce dall’incontro tra culture, stili e sensibilità diverse. Emiliano D’Auria, pianista e compositore, guida un quintetto internazionale composto da Philip Dizack alla tromba, Godwin Louis al sax, Jacopo Ferrazza al contrabbasso e Joe Dyson alla batteria. Insieme creano un sound originale e contemporaneo, dove il respiro del jazz americano si fonde con una liricità mediterranea, e ogni brano diventa un piccolo racconto di vita, emozioni e tensioni sociali.
Timeless Threads apre l’album con un ritmo che sembra allungarsi e contrarsi, guidato da un basso deciso e una batteria che mantiene il battito. Il pianoforte aggiunge accordi ampi e sospesi, mentre la tromba e il sax si rispondono con frasi affiatate che suggeriscono un intreccio di linee sonore, quasi come strade che si incrociano. C’è un equilibrio tra struttura e improvvisazione che invita l’ascoltatore ad abbandonarsi gradualmente al flusso del pezzo.
In Chasing the Flicker la musica si sviluppa come se ogni idea fosse un lampo che appare e poi si dissolve. Qui la batteria gioca con ritmi incrociati, dando un senso di impulso interno, mentre il contrabbasso mantiene una direzione chiara. I fiati e il pianoforte si muovono con frasi tagliate e mobili, creando tensione e sorpresa, e il brano si chiude senza una conclusione netta, lasciando una sensazione di sospensione.
La title-track Meanwhile è il centro emotivo e concettuale del disco: il pianoforte traccia una melodia limpida, mentre tromba e sax completano con risposte che alternano momenti intensi e spazi più ampi. Il ritmo sottostante è leggero ma deciso, costruendo un senso di chiarezza e coesione che lascia respirare ogni elemento sonoro.
Entr’act #1 introduce un istante di pausa: un breve momento in cui le linee musicali si affacciano appena, con suoni scarni ma significativi. È come un piccolo ponte sospeso tra due parti della narrazione, un respiro prima del nuovo sviluppo.
Embracing the Question si apre con un senso di interrogazione: il sax propone frasi che sembrano porre domande, e il pianoforte risponde con accordi stratificati che lasciano spazio alle variazioni. Il dialogo tra gli strumenti non cerca una risposta piena, ma piuttosto esplora le possibilità, mantenendo vivo l’interesse nell’ascoltatore.
In Distance le sonorità si distendono: gli spazi tra le note si ampliano, dando una sensazione di apertura e respiro. Il contrabbasso assicura un centro tonale stabile, mentre il sax entra con linee morbide. Il ritmo è pacato, e l’insieme comunica un momento di calma riflessiva, privo di tensioni inutili.
Entr’act #2 è un altro breve frammento che funziona come momento di transizione. Qui basso e batteria giocano con piccoli motivi ritmici, mentre il pianoforte accenna figure asciutte. È un ponte sonoro che sembra rispondere all’urgenza del fluire, senza rallentare il discorso complessivo.
Savoring Life’s Journey ha un carattere più raccolto e meditativo: il pianoforte utilizza movimenti leggeri, i fiati allargano la tessitura con frasi morbide e la batteria accompagna con tocchi delicati. L’effetto è quello di una riflessione aperta, che procede con passo costante e colori sonori chiari.
In Half Dreaming la musica oscilla tra realtà e immaginazione: il pianoforte dipinge figure morbide, e i fiati rispondono con frasi che sembrano frammenti di pensieri. Il ritmo cambia leggermente, suggerendo un movimento interiore, quasi un’indagine sensoriale che non si limita a uno schema preciso.
Entr’act #3 è il più lungo dei brevi intermezzi: qui il pianoforte propone un motivo che si evolve con piccole variazioni, la batteria scandisce accenti in forma libera, e gli altri strumenti inseriscono dettagli minuti. L’insieme crea un clima di attesa che prepara l’ascolto alla chiusura.
Infine Echoes of the Past chiude l’album con un senso di memoria e ritorno: il sax prende la linea melodica centrale, mentre tromba e pianoforte si intrecciano in risposte che richiamano tonalità ascoltate prima, e il ritmo di sottofondo sostiene senza invadere. È una conclusione che guarda indietro senza appesantire, trasformando il ricordo in un suono vivido e presente.
Emiliano
D’Auria
L’album si chiude lasciando un senso di respiro e apertura,
come se ogni traccia fosse una tappa di un viaggio intimo e condiviso. La
musica parla senza parole, raccontando vite, scelte, attese e scoperte
attraverso il linguaggio universale degli strumenti. 
La sensibilità di Emiliano D’Auria emerge in ogni frase e in ogni dialogo sonoro, trasformando le note in emozioni concrete. Ascoltarlo significa sentirsi parte di una storia più ampia, percorrere corridoi sonori dove passato e presente si incontrano, e restare con la sensazione di aver esplorato la complessità e la bellezza dell’esperienza umana.
English version
Emiliano D’Auria - The Baggage Room Vol.2 – Meanwhile (Via Veneto Jazz, 2025)
A journey of sounds and encounters, between distant memories and new lives to be discovered
One year after the first chapter of The Baggage Room project, reviewed on the pages of Redapolis Music, Emiliano D’Auria returns with the second chapter, Meanwhile, an album that expands and deepens his musical narrative.
While the first volume explored the arrival of European immigrants at Ellis Island, with their dreams, hopes, and initial struggles, Meanwhile focuses on the chapter that follows: life after settlement, the roads that open up, daily choices, and the challenges of building a new identity in a city that is both promise and reality.
All compositions are written by Emiliano D’Auria, with the exception of Distance, composed by Jacopo Ferrazza, which brings an original perspective to the quintet while remaining coherent with the album’s sonic universe.
The album is born from the meeting of different cultures, styles, and sensibilities. Emiliano D’Auria, pianist and composer, leads an international quintet featuring Philip Dizack on trumpet, Godwin Louis on saxophone, Jacopo Ferrazza on double bass, and Joe Dyson on drums. Together they create an original, contemporary sound in which the breath of American jazz blends with Mediterranean lyricism, and each track becomes a small narrative of life, emotions, and social tensions.
Timeless Threads opens the album with a rhythm that seems to stretch and contract, driven by a firm bass line and a steady drum pulse. The piano adds wide, suspended chords, while trumpet and saxophone answer each other with tightly interwoven phrases, suggesting an intertwining of sonic lines, almost like crossing streets. There is a balance between structure and improvisation that gradually invites the listener to surrender to the flow of the piece.
In Chasing the Flicker, the music unfolds as if each idea were a flash that appears and then fades away. Here the drums play with interlocking rhythms, creating a sense of inner momentum, while the double bass maintains a clear direction. Horns and piano move through sharp, mobile phrases, generating tension and surprise, and the piece ends without a clear resolution, leaving a feeling of suspension.
The title track, Meanwhile, is the emotional and conceptual center of the album: the piano traces a clear melody, while trumpet and sax complete it with responses that alternate between intensity and open space. The underlying rhythm is light yet firm, building a sense of clarity and cohesion that allows each sonic element to breathe.
Entr’act #1 introduces a moment of pause: a brief instant in which musical lines barely emerge, with sparse yet meaningful sounds. It feels like a small suspended bridge between two parts of the narrative, a breath before the next development.
Embracing the Question opens with a sense of inquiry: the saxophone proposes phrases that seem to ask questions, and the piano responds with layered chords that leave room for variation. The dialogue between instruments does not seek a definitive answer, but rather explores possibilities, keeping the listener’s attention alive.
In Distance, the soundscape relaxes: the spaces between notes widen, creating a sense of openness and breath. The double bass provides a stable tonal center, while the saxophone enters with soft, flowing lines. The rhythm is calm, and the overall feeling is one of reflective stillness, free of unnecessary tension.
Entr’act #2 is another brief fragment functioning as a transitional moment. Here bass and drums play with small rhythmic motifs, while the piano hints at concise figures. It is a sonic bridge that responds to the urgency of flow without slowing the overall discourse.
Savoring Life’s Journey has a more intimate and meditative character: the piano moves lightly, the horns broaden the texture with gentle phrases, and the drums accompany with delicate touches. The effect is that of an open reflection, proceeding at a steady pace with clear sonic colors.
In Half Dreaming, the music oscillates between reality and imagination: the piano paints soft figures, and the horns respond with phrases that feel like fragments of thought. The rhythm shifts subtly, suggesting an inner movement, almost a sensory exploration that resists a fixed scheme.
Entr’act #3 is the longest of the brief interludes: here the piano introduces a motif that evolves through small variations, the drums articulate accents in a free form, and the other instruments add minute details. The result is a climate of anticipation that prepares the listener for the closing track.
Finally, Echoes of the Past closes the album with a sense of memory and return: the saxophone takes the central melodic line, while trumpet and piano intertwine in responses that recall tonalities heard earlier, and the underlying rhythm supports without intruding. It is a conclusion that looks back without weighing things down, transforming memory into a vivid, present sound. The album ends leaving a sense of openness and breath, as if each track were a stage in an intimate and shared journey. The music speaks without words, telling stories of lives, choices, waiting, and discovery through the universal language of instruments.
Emiliano D’Auria’s sensitivity emerges in every phrase and every sonic dialogue, turning notes into tangible emotions. Listening means feeling part of a broader story, walking through sonic corridors where past and present meet, and remaining with the sense of having explored the complexity and beauty of the human experience.