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| Francesco Pierotti – Attractions |
Francesco Pierotti – Attractions (WoW Records, 2026)
Un viaggio intimo tra memoria e ascolto, dove il jazz torna a respirare
A volte certi dischi danno la sensazione di entrare in una stanza già abitata. Non c’è nulla di ostentato, ma tutto è al suo posto in modo così naturale da far percepire subito una forma di equilibrio interno. È una sensazione sottile, quasi fisica, che non passa attraverso l’idea di virtuosismo o complessità, ma attraverso la qualità del respiro musicale.
Attractions di Francesco Pierotti, pubblicato da Wow Records, si colloca naturalmente in questa dimensione, come un disco che non ha bisogno di alzare il volume per affermare la propria identità. Nel jazz italiano di oggi Pierotti è uno di quei musicisti che riconosci non per l’evidenza del gesto, ma per la solidità del pensiero musicale che lo sostiene. La sua formazione, tra contrabbasso classico e studi jazz al Conservatorio Santa Cecilia di Roma, non resta un semplice dato biografico: si sente nel modo in cui costruisce le linee, nella cura del suono e in un rapporto quasi fisico con lo strumento.
Accanto al percorso accademico, l’esperienza con figure come Ares Tavolazzi e Massimo Moriconi ha consolidato un approccio concreto, lontano da ogni idea di virtuosismo fine a sé stesso. Ne nasce un fraseggio preciso, quasi architettonico, ma sempre aperto al dialogo e all’imprevisto, dove rigore e libertà convivono senza entrare in conflitto.
Attractions è un progetto che si muove esattamente su questo crinale: tra memoria e presente, tra ciò che appartiene alla tradizione e ciò che continua a cambiare forma mentre lo si suona. Il disco si affida a un trio coeso e già profondamente rodato, con Roberto Tarenzi al pianoforte e Lorenzo Tucci alla batteria, due musicisti che condividono con Pierotti non solo il linguaggio, ma soprattutto un’idea di musica basata sull’ascolto reciproco e sulla responsabilità del suono collettivo.
Non è un disco che vuole cambiare gli standard né ripeterli in modo fedele. Piuttosto li attraversa. Ogni brano diventa un’occasione per guardare da vicino il jazz mentre prende forma: come una melodia può cambiare strada a seconda di chi la suona, e come l’armonia si apre o si chiude in base al dialogo che nasce in quel momento tra i musicisti.
L’apertura con Bags' Groove di Milt Jackson imposta subito il carattere del trio. Il materiale blues non viene mai affrontato come una forma fissa o già definita, ma come una struttura che si presta a essere riorganizzata dall’interno. Ne emerge un approccio che non punta sull’effetto immediato, ma su una costruzione più riflessiva del discorso musicale, dove ogni elemento sembra nascere dal precedente.
In All God’s Chillun Got Rhythm di Walter Jurmann, Gus Kahn e Bronisław Kaper il moto ritmico assume una natura più frastagliata, quasi instabile, e il trio lavora su piccole deviazioni continue che alterano la percezione della pulsazione. Il tempo non è mai dato una volta per tutte, ma continuamente rimodellato nel dialogo tra i musicisti.
No Moon At All di David Mann e Redd Evans si muove invece in un clima più rarefatto, dove le strutture armoniche sembrano trattenute, come in sospensione. Il lavoro si concentra su ciò che resta ai margini: pause, accenni, spazi lasciati volutamente aperti che diventano parte integrante del discorso.
Con Valse Hot di Sonny Rollins la forma ternaria viene esplorata come dall’interno, senza mai essere messa in discussione nella sua identità, ma piegata a piccole torsioni che ne modificano la percezione complessiva. L’equilibrio resta stabile, ma attraversato da continui spostamenti di peso.
Modinha di Antônio Carlos Jobim rappresenta uno dei momenti di maggiore sottrazione del disco. Il trio elimina ogni ridondanza e porta la linea melodica a una condizione essenziale, quasi scheletrica, in cui la semplicità diventa scelta espressiva e non riduzione.
La seconda parte del percorso introduce una dimensione più distesa e narrativa. In Like Someone In Love di Johnny Burke e Jimmy Van Heusen la melodia resta immediatamente identificabile, ma viene continuamente rielaborata attraverso variazioni di prospettiva che ne ampliano il significato senza mai alterarne la fisionomia.
In Come Rain or Come Shine di Harold Arlen e Johnny Mercer l’intensità emotiva si fa più evidente, ma viene sempre filtrata da un controllo interno che ne evita qualsiasi eccesso. La tensione si sviluppa in modo misurato, come se ogni gesto fosse ponderato all’interno di un equilibrio complessivo.
For All We Know di J. Fred Coots e Sam M. Lewis si colloca in una dimensione più raccolta, dove la musica sembra respirare in uno spazio più stretto e concentrato. Ogni intervento appare funzionale alla costruzione di un’atmosfera sospesa e coerente.
La chiusura affidata a Will You Still Be Mine? di Tom Adair e Matt Dennis non rappresenta una vera conclusione, quanto piuttosto una sospensione del percorso. Il discorso resta aperto, coerente con l’idea che attraversa l’intero album: la tradizione non è un punto fermo, ma un processo che si riattiva ogni volta che viene attraversato.
Tracklist: Bags’ Groove, All God’s Chillun Got Rhythm, No Moon At All, Valse Hot, Modinha, Like Someone In Love, Come Rain or Come Shine, For All We Know, Will You Still Be Mine?
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| Francesco Pierotti |
In Attractions non c’è mai la sensazione di un punto d’arrivo definitivo, come se la musica preferisse restare in uno stato di possibilità continua, sospesa tra ciò che conosciamo e ciò che ancora può accadere. È qui che il lavoro di Francesco Pierotti trova forse la sua forma più autentica: non nel gesto di affermazione, ma nella capacità di tenere insieme tensioni diverse senza mai forzarne la risoluzione.
Il trio funziona come un piccolo organismo in ascolto permanente, dove ogni equilibrio nasce e si riforma istante dopo istante. E in questa continua ridefinizione del suono, anche la tradizione perde la sua rigidità e torna a essere qualcosa di vivo, disponibile, attraversabile.
Alla fine resta una sensazione semplice ma difficile da afferrare: quella di una musica che non vuole convincere, ma condividere uno spazio. Uno spazio in cui il tempo sembra dilatarsi, i ruoli si sfumano e tutto si regge su una forma di fiducia reciproca che è, prima ancora che musicale, umana.
Ed è forse in questo equilibrio fragile ma tenace che Attractions trova la sua ragione più profonda: non spiegare il jazz, ma farlo accadere.
English version
Francesco Pierotti – Attractions (WoW Records, 2026)
An intimate journey between memory and listening, where jazz begins to breathe again
Sometimes certain albums give you the feeling of walking into a room that is already lived in. Nothing feels forced or overstated, yet everything seems to be exactly in its place, with such naturalness that an immediate sense of inner balance emerges. It is a subtle, almost physical sensation that has little to do with virtuosity or complexity, and much more to do with the way the music breathes.
Attractions by Francesco Pierotti, released on Wow Records, naturally belongs to this space, as a record that does not need to raise its voice in order to assert its identity. In today’s Italian jazz scene, Pierotti stands out not for the obviousness of gesture, but for the solidity of the musical thought behind it. His background, combining classical double bass training with jazz studies at the Conservatorio Santa Cecilia in Rome, is not merely biographical detail: it is audible in the way he shapes lines, in his care for tone, and in an almost physical relationship with the instrument.
Alongside his academic path, his experience with musicians such as Ares Tavolazzi and Massimo Moriconi has reinforced a grounded approach, far removed from any idea of virtuosity as an end in itself. The result is a precise, almost architectural phrasing that remains constantly open to dialogue and unpredictability, where rigor and freedom coexist without ever clashing.
Attractions unfolds exactly along this line: between memory and present time, between what belongs to tradition and what keeps changing shape as it is played. The album relies on a tight, deeply cohesive trio with Roberto Tarenzi on piano and Lorenzo Tucci on drums—two musicians who share with Pierotti not only a common language, but above all an idea of music rooted in mutual listening and shared responsibility for sound.
This is not an album that aims to reinvent the standard repertoire or reproduce it in a strictly philological way. Instead, it moves through it. Each piece becomes an opportunity to observe jazz in the act of taking shape: how a melody can shift depending on who plays it, and how harmony opens or closes according to the dialogue that emerges in the moment.
The tracklist opens with Bags' Groove by Milt Jackson, immediately setting the trio’s approach. The blues material is never treated as a fixed form, but as a structure that can be reorganized from within. What emerges is an approach that favors the construction of musical discourse over time rather than immediate impact.
In All God’s Chillun Got Rhythm by Walter Jurmann, Gus Kahn, and Bronisław Kaper, the rhythmic flow becomes more fragmented and unstable, with the trio working through small continuous deviations that reshape the perception of pulse. Time is never static, but constantly redefined through interaction.
No Moon At All by David Mann and Redd Evans moves into a more rarefied space, where harmonic structures feel suspended. Attention shifts toward the margins: pauses, hints, and deliberately open spaces that become an essential part of the language.
With Valse Hot by Sonny Rollins, the ternary form is explored from within, never denied but gently bent through subtle internal shifts that alter its overall perception. The balance remains stable, yet constantly reweighted from within.
Modinha by Antônio Carlos Jobim represents one of the most stripped-down moments of the album. The trio removes any excess and reduces the melodic line to an essential, almost bare form, where simplicity becomes an expressive choice rather than a limitation.
The second half of the album opens into a more spacious and narrative dimension. In Like Someone In Love by Johnny Burke and Jimmy Van Heusen, the melody remains immediately recognizable, yet it is constantly reinterpreted through shifting perspectives that expand its meaning without ever distorting its identity.
In Come Rain or Come Shine by Harold Arlen and Johnny Mercer, emotional intensity becomes more apparent, yet it is always filtered through an internal control that prevents excess. The tension unfolds with balance and restraint, as if every gesture were carefully weighed within a larger structure.
For All We Know by J. Fred Coots and Sam M. Lewis sits in a more intimate, concentrated space, where each intervention feels necessary and precisely placed, without redundancy.
The closing track, Will You Still Be Mine? by Tom Adair and Matt Dennis, does not function as a true conclusion but rather as a suspension. The discourse remains open, consistent with the idea that runs throughout the album: tradition is not a fixed point, but a process that reactivates itself every time it is played.
In Attractions, there is never a sense of a final arrival, as if the music prefers to remain in a state of ongoing possibility, suspended between what is known and what can still happen. This is where Francesco Pierotti’s work finds its most authentic form: not in assertion, but in the ability to hold different tensions together without forcing their resolution.
The trio functions like a constantly listening organism, where every balance is formed and reformed moment by moment. In this continuous reshaping of sound, even tradition loses its rigidity and becomes something alive, available, and open to being traversed.
In the end, what remains is a simple yet elusive sensation: a music that does not aim to convince, but to share a space. A space where time expands, roles blur, and everything rests on a form of mutual trust that is, before being musical, profoundly human.
And it is perhaps in this fragile yet resilient balance that Attractions finds its deepest meaning: not explaining jazz, but making it happen.